Née en 2018, cette jeune formation rassemble quatre saxophonistes venues d’horizons différents et résidant aujourd’hui en Ille-et-Vilaine. Avec ce quatuor, ses membres souhaitent transmettre leur passion pour leur instrument et la musique de chambre. Ils abordent ensemble différents répertoires, du classique au contemporain, en passant par des musiques traditionnelles latino-américaines, jusqu’aux pièces inspirées de la musique des pays de l’Est.

L’identité artistique de Numen est en constante évolution, ne souhaitant pas s’arrêter à un répertoire. Il y a aussi derrière cette envie, une volonté de démocratiser le saxophone classique et de faire évoluer le genre du quatuor, comme le font déjà d’autres chambristes en France et dans le reste du monde.

Tous issus du Pôle d’Enseignement Supérieur du Spectacle Vivant – Pays de Loire, ces quatre musiciens se sont formés auprès de grands noms du saxophone et de la musique de chambre comme Ronan Baudry, Jean – Yves Chevalier, Vincent David, Michel Moraguès ou encore Christian Wirth.

Ils vous proposeront de découvrir une riche palette de timbres, à l’aide de dynamiques et styles de jeux variés au fil des tableaux proposés par leur répertoire. C’est avec un enthousiasme contagieux, une certaine complicité et l’envie de surprendre le public que le quatuor vous fera découvrir le saxophone dans les répertoires où celui-ci n’est pas toujours attendu par le mélomane éclairé.

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Fondé en 1989, l’Orchestre National de Bretagne est le fruit d’une politique volontaire, réunissant la Région Bretagne, la Ville de Rennes, le Ministère de la Culture, les départements d’Ille-et-Vilaine et du Morbihan et Rennes Métropole. L’ONB, dont le nouveau directeur musical est Nicolas Ellis depuis septembre 2024, se distingue par son ouverture d’esprit et sa volonté d’innover.
À travers de nombreux projets transversaux, l’ONB s’est affranchi des barrières de genres, sans jamais délaisser son répertoire classique et sa quête d’excellence. Acteur incontournable de la scène musicale bretonne, l’ONB s’est engagé aux côtés d’artistes bretons ainsi qu’avec des artistes issus des musiques traditionnelles du monde entier, pour proposer des croisements audacieux.
La curiosité de l’ONB va de pair avec sa volonté de transmettre son patrimoine musical au-delà de la salle de concert. Des grandes villes aux plus petites communes rurales, il développe des projets artistiques et pédagogiques en direction de publics divers.
Ce travail pour démocratiser la musique orchestrale et décloisonner son métier bénéficie de l’attribution, en octobre 2019, du label d’Orchestre National en Région, par le Ministère de la Culture.

L’Orchestre National de Bretagne est financé par la Région Bretagne, le Ministère de la Culture – DRAC Bretagne, la Ville de Rennes, le Conseil Départemental d’Ille-et-Vilaine, avec le soutien du Conseil Départemental du Morbihan et de Rennes Métropole.

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Ce programme réunit toute la saveur et la richesse de la musique anglaise et du répertoire instrumental comme vocal qu’elle a inspiré en Europe aux XVIIe et XVIIIe siècles. L’impulsion rythmique culmine, parfois obstinée, dans les grounds, jigs, contredanses et autres musiques à danser qui firent fureur et entraînèrent la publication du recueil de John Playford, The English Dancing Master, en 1651.
Les Musiciens de Saint-Julien, familiers des sources anciennes d’Angleterre, d’Écosse et d’Irlande, soulignent aussi l’aspect mélodique de ces danses devenues airs à chanter – la soprano Fiona MacGown et le baryton Enea Sorini complètent un instrumentarium coloré. Enfin la légèreté du divertissement est partout présente dans ce répertoire, populaire parce qu’à l’époque pratiqué par tous mais aussi parce que célèbre bien au-delà de l’île.

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Tony Paeleman s’est créé au rhodes et au piano une palette sonore qui va du jazz introspectif à la fusion jouissive. Après deux disques en quartet acoustique, Slow Motion en 2013 et Camera Obscura 2017 révélant la richesse et la sophistication de son écriture, il rend sur The Fuse un hommage galvanisant aux années 80. La critique salue un disque « addictif de bout en bout » (Jazz Magazine) « Fièvreux et en apesanteur » (Telerama).
Accompagnateur et producteur indispensable des artistes les plus en vue de la scène européenne, – Vincent Peirani, Anne Pacéo, Emile Parisien, le natif de Nice est aussi le créateur du label Shed Music aux côtés de Karl Jannuska, Christophe Panzani et Pierre Perchaud, une famille de musiciens curieux, éclectiques et généreux.

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Romain Leleu
Doté d’un jeu lumineux et virtuose, il est Révélation Classique de l’Adami en 2005, lauréat du Concours International de Musique de Chambre de Lyon la même année, révélation soliste instrumental aux Victoires de la musique classique en 2009 et promu Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres.
Il dirige depuis 2012 dirige le Festival de Saint-Yrieix-la-Perche (Haute-Vienne) et anime régulièrement des master class en France comme en Corée ou au Japon. Il a déjà à son actif cinq enregistrements, tous salués par la critique. Le disque Move est paru en février 2022 sous le label Harmonia Mundi.

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Sociétaire de la Sacem, de la SACD, Manuel Doutrelant est édité chez Choudens depuis 2008

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KIYA TABASSIAN
Né en 1976 à Téhéran, Iran.
À 14 ans, Kiya Tabassian émigre avec sa famille au Québec, emmenant avec lui quelques années de formation en musique savante persane et un début de carrière sur la scEn 1998, il cofonde Constantinople avec l’idée de développer un ensemble de création musicale puisant dans l’héritage du Moyen-Âge et de la Renaissance, de l’Europe, Kiya s’est produit sur les scènes du monde entier et a contribué à maints projets éclectiques en tant que compositeur, interprète et improvisateur. Citons par exemple De nombreuses formations musicales et institutions ont fait appel à ses talents de compositeur, dont l’Orchestre symphonique de Montréal, le Nouvel Ensemble Moderne. Depuis l’été 2017, il agit comme Artiste associé du prestigieux festival Rencontres musicales de Conques (anciennement Festival de musique Conques, la Lumière du Roma Kiya a été membre du Conseil des arts de Montréal pendant sept ans, dont président du comité décisionnel musique pour trois ans, et fait actuellement partie du Conseil Depuis de nombreuses années maintenant, l’ensemble de son travail est soutenu par le Conseil des arts de Montréal, le Conseil des arts et des lettres du Québec.

PIERRE YVES MARTEL
Pierre-Yves Martel est un musicien au parcours singulier qui ne cesse de renouveler son identité et sa pratique.

PATRICK GRAHAM
“maître improvisateur de la percussion” qui se tient “… à la frontière de plusieurs musiques traditionnelles et de création…” et “embrasse le monde du rythme.

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ETIENNE BROUSSE – Voix, percussions, guitare.
MATHIEU MICHEL – Voix lead, percussions, MAO.
WILLIAM ROSS – Voix, percussions, clarinette.

Cholo est né de la rencontre de deux mauriciens en Bretagne. Ce groupe à géométrie variable est composé principalement d’un guitariste (Etienne Brousse), d’un clarinettiste (William Ross) et d’un chanteur (Mathieu Michel). Ces trois artistes partagent la même soif de création et la même envie d’explorer et de revisiter le Séga emblématique de l’île Maurice.
Jonglant entre instruments traditionnels et instruments modernes, ceci leur permet de créer d’autres sonorités et d’utiliser d’autres techniques de jeu. Travaillant autour de la notion d’« oeuvre perdue », les trois artistes composent des mélodies sur des paroles retrouvées ou écrivent des textes sur des supports de rythmiques populaires ; revendiquant le décloisonnement par l’ajout de couleurs plus actuelles à leurs “Séga Atipik.”
Jouer le Séga mauricien est, pour ces trois artistes, une démarche qui dépasse les seules questions musicales : c’est une forme de (ré)appropriation qui leur permet d’interroger les fondements d’un répertoire et d’un style musical encore bien vivant et d’expression actuelle. Le choix du nom du groupe est à ce titre symbolique de la démarche. Terme péjoratif, datant de l’époque de l’esclavage où la pratique du Séga était interdite, utilisé pour qualifier tant les musiciens que les danseurs, “Cholo” permet à cette formation d’affirmer son attachement à cette musique qui a longtemps été méprisée, de la défendre et de la faire pleinement sienne.

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Grégoire Girard : Violon, Agathe Girard : Violon, Hugues Girard : Alto, Lucie Girard : Violoncelle.

Formé par le Quatuor Ysaÿe, le Quatuor Girard devient lauréat du Concours de Genève en 2011. Il se perfectionne auprès de très grands quartettistes, Alban Berg, Artis, Keller, Lindsay, Talich et réside durant trois ans à la Chapelle Royale Reine Elisabeth de Belgique, bénéficiant ainsi d’échanges privilégiés avec le Quatuor Artemis.
En tant qu’« artistes associés », il entretient également des liens étroits avec la Fondation Singer-Polignac.
Invités de salles et de festivals prestigieux en France  Auditorium du Musée d’Orsay, La Folle Journée de Nantes, Soirées et Matinées musicales d’Arles, le festival de Deauville, la Grange de Meslay.
Il associe ses activités concertistes à un effort constant de diffusion en direction de tous les publics. A ce titre, il noue régulièrement des partenariats avec des écoles primaires, collèges, lycées et conservatoires.
Ses derniers albums, notamment « The Starry Sky » (Paraty 2018) et « Saint-Saëns » (B Records 2019) ont été unanimement salués par la critique.
Les quatre membres du Quatuor jouent sur des instruments du luthier parisien Charles Coquet.

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